domingo, 8 de diciembre de 2013

*Un retrato
(del latín retractus) es una pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.[1]
Por lo tanto, la primera definición de retrato es aquella que se refiere a la expresión plástica de una persona a imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la escultura y la fotografía. En un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en fotografía un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición quieta.
Los retratos cumplen diferentes funciones. Los retratos de dirigentes, en política se suelen usar como símbolo del Estado. En la mayoría de los países es habitual en el protocolo que haya un retrato del jefe de Estado en todos los edificios públicos. Si se abusa de este tipo de retratos puede ser un síntoma de culto a la personalidad. Existe también la voluntad de perpetuar el recuerdo de una persona y de crear una imagen histórica del comitente.

*Collage

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés que acaben en "age" deben de españolizarse en "aje".
COLLAGE: m. b. art. Representación pictórica realizada con trozos de papel, cristal, tejido u otros elementos y objetos pegados al lienzo.
Diccionario Enciclopédico Vox 1. © 2009 Larousse Editorial, S.L.

Realizamos un RETRATO aplicando la técnica de COLLAGE:

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Técnica Plástica: Estampación de hojas naturales



Está técnica pictórica consiste en la impresión de una composición sobre papel utilizando hojas naturales de diferentes tamaños y colores.
hoja estampada de colores

Seleccionamos algunas hojas naturales, de preferencias aquellas en que se destaque la nervadura. Con un pincel y témpera mojaremos el reverso irregular, la colocamos sobre un papel blanco ( a ser posible especial para dibujo) y presionamos suavemente. Levantamos la hoja y podremos apreciar que a quedado estampada irregularmente su nervadura. Volvemos a colocarla y realizamos nuevamente el mismo trabajo, ya que la hoja humedecida con color da posibilidades de variadas aplicaciones con diferente intensidad tonal, hecho que permite lograr novedosos efectos.
Es posible incluso, realizar superposiciones de tonos y de formas, y sí se desea, en algunos casos, se pueden destacar los fondos con colores planos.
Utilizando la misma técnica podemos realizar este estampado en tela, variando la calidad de las pinturas, usando pinturas textiles. En este caso, es preferible extender una pequeña cantidad de pintura sobre un vidrio o superficie muy plana, para poder impregnar con mayor facilidad la hoja con el color.


Prepara el siguiente material

  • Témpera escolar de diferentes colores.
  • Un pincel para cada color.
  • Botes pequeños para poner un poco de pintura.
  • Una cartulina grande de color blanca.
  • Hojas de árboles y plantas de diferentes formas.

¿Cómo se estampa las hojas?

  1. Vierte un poco de pintura en cada bote y coloca dentro un pincel en cada uno de estos botes. Pon la cartulina en la mesa, a un lado de esta cartulina las hojas y al otro, la pintura.
  2. A continuación, el niño elige la hoja, la pinta con el pincel por un lado y seguidamente, la estampa en la cartulina. Este procedimiento lo puede repetir todas las veces que él quiera.
  3. Mientras el niño estampa las hojas tú le observas a su lado para conversar con él sobre las cualidades de las hojas y los colores que utiliza.
  4. Una vez acabado lo dejas secar y ¡listo para colgar en la pared!



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Bibliografía:
LUCES Y SOMBRAS
  • La característica primordial que dota a un dibujo de vida es la inclusión adecuada de las luces y de las sombras
  • La línea detalla y expresa sólo los contornos, la forma, el volumen, el espacio o la idea de la tercera dimensión, de igual manera en la realidad y en sus representaciones gráficas en una obra artística, tiene su fundamento en la luz y en la sombra y con cuyo empleo podremos dotar a nuestro sencillo dibujo o a nuestra pintura de la representación espacial, sólida y con visos de realidad.
  • Las sombras son la consecuencia de la luz y tanto las sombras que del propio objeto en si ( sombras propias) como la sombra directa que el objeto produce ( sombras arrojadas) como las sombras próximas o lejanas proyectadas por otros objetos y los reflejos de luz que al mismo tiempo producen esos objetos afectan de forma directa a la concepción espacial de nuestro trabajo
  • La sombra (click para ver imagen) en resumen no es otra cosa que la porción del cuerpo que siendo iluminado no recibe de forma directa la luz, por encontrarse esa parte del cuerpo en oposición al foco luminoso.
  • El claroscuro estudia la degradación y difusión de la luz con las sombras y corresponde a las áreas intermedias entre la zona iluminada y las zonas mas oscuras, son las zonas que denominamos zonas de penumbra y sus valores de medios tonos o medias tintas y cuyos valores nunca deben alcanzar la intensidad de la luz ni la intensidad de la sombra.
  • Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:
Zona de iluminación clara.
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra.
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura.
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada.
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.
Zona de reflejo.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al dibujo.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Claroscuro
http://es.wikipedia.org/wiki/Sombra
Nuestros GIRASOLES!!


Observamos Imágenes de obra de ‘Los girasoles’ (1888) de Vicent Van Gogh
Realizados en Plastilina.


Los girasoles es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón. Van Gogh pintó el primer Jarrón con doce girasoles -que se encuentra actualmente en el Museo Neue Pinakothek de Múnich- y el primer Jarrón con quince girasoles -que se encuentra en la National Gallery, Londres-, en agosto de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia. Las siguientes pinturas similares las pintó en enero del año siguiente. Las pinturas están todas pintadas en lienzos de cerca de 93 × 72 cm.
Van Gogh empezó a pintar a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. Su casa en Arles tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Uno de los cuadros fue a decorar la habitación de su amigo Paul Gauguin. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan.
Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.
En marzo de 1987 obtuvo resonancia mundial la noticia de la compra de un Jarrón con quince girasoles por el magnate japonés Yasuo Goto en una subasta en Christie’s de Londres, pagando 39.921.750 dólares. La pintura reside en la actualidad en el Seiji Togo Yasuda Memorial Museum of Modern Art de Tokio. Después de la compra se planteó una controversia sobre si se trataba de una auténtica obra de Van Gogh o una falsificación de Emile Schuffenecker.






BENEFICIOS DEL USO DE LA PINTURA EN LA EDUCACIÓN INFANTIL

En resumen, la pintura es beneficiosa para los niños porque:
1- Ayuda en el desarrollo de su individualidad y de su autoestima.
2- Fomenta una personalidad creativa e inventiva.
3- Desarrolla habilidades para resolución de problemas.
4- Organiza sus ideas.
5- Estimula su comunicación. La hace más efectiva.
6- Favorece la expresión, la percepción y la organización.
7- Desbloquea la creatividad.
8- Favorece la expresión de los sentimientos.
9- Serena y tranquiliza.

Fuente: http://plasticamariarios.blogspot.com.ar/

Los beneficios de la pintura para los niños

Hacer garabatos ayuda al niño a desarrollar su habilidad manual y su voluntad. Además, le invita a exteriorizar sus sentimientos, lo que a su vez te permite conocerle mejor.
Fuente: http://plasticamariarios.blogspot.com.ar/2013/06/los-beneficios-de-la-pintura-para-los.HTML

El significado de los dibujos de los niños

En los primeros 5 años, los dibujos de tu hijo van reflejando su desarrollo psicomotriz. Atención a estos “acontecimientos”

Dibujos de niños de 1 a 2 años: garabatos sin orden
Fuente: http://plasticamariarios.blogspot.com.ar/2013/06/el-significado-de-los-dibujos-de-los.HTML


Su carácter en sus garabatos
Su carácter en sus garabatos

Quieres conocer a cómo es tu hijo pues fíjate en sus garabatos. Ellos te dirán cómo es el carácter de tu hijo según su forma, trazos...

La educación artística: un generador de cambios

En momentos en que nuestro país debate por cambios y trasformaciones en el modelo educativo vigente, es necesario sumar al arte como una herramienta que aporta efectivamente al sistema, que genera cambios, y que aporta principalmente en la formación de personas íntegras.
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Existe el prejuicio de visualizar las actividades artísticas como recreativas, de ocio, que no potencian a nuestros estudiantes y que no tienen mayor relevancia en la formación. Es entonces en este escenario, que creemos fundamental compartir nuestra experiencia institucional aportando a la discusión educativa desde un frente innovador.
El modelo de Balmaceda Arte Joven es una apuesta a la integración de jóvenes con distintas realidades sociales, que permite que a través de la transversalidad del lenguaje artístico, convivan diferentes experiencias y visiones de vida.
La innovación radica en el modo en que se generan las relaciones en Balmaceda Arte Joven, entre los mismos alumnos, entre docentes y alumnos, entre directivos y académicos, etc. Cada año nos sorprenden los resultados alcanzados. El reciente estudio de 2012 “Experiencias Artísticas Resonancias Biográficas”, cuyo propósito fue evaluar el impacto que genera en los jóvenes el paso por los talleres artísticos regulares de Balmaceda Arte Joven, reafirmó los supuestos: Un 84% de los encuestados señaló que su paso por los talleres le permitió desarrollarse como persona; un 78% indica que le permitió desarrollar seguridad en sí mismo(a) y; un 49% afirma que le permitió descubrir su vocación. Un 84% dijo que logró desarrollar la capacidad de trabajar en equipo; un 79% lograron desarrollar su disciplina; en tanto un 84% afirma que el paso por los talleres le permitió conocer otras maneras de pensar y vivir.
En definitiva, a través de nuestra experiencia podemos confirmar que existen resultados concretos que consolidan nuestra afirmación: la educación artística es una herramienta de transformación social y afectiva. Un aprender haciendo que va más allá de una determina corriente artística, que se basa en el trabajo colectivo y democrático.
Plástica en los niños
Desarrollo de la capacidad de creación y percepción.
El arte para los niños significa un medio de expresión que realizan naturalmente y en forma de juego en el que vuelcan sus experiencias, emociones y vivencias. Muchas veces descubriremos que el niño se expresa gráficamente con más claridad que en forma verbal siendo una actividad de la que disfrutan enormemente.Consideraremos el juego como aquel conjunto de operaciones coexistentes e de interacción en un momento dado por las que un sujeto o grupo en situación logran satisfacer sus necesidades, transformando objetos y hechos de la realidad y de la fantasía. Esta conducta, para su realización, necesita del más alto grado de libertad interna y externa con respecto a la persona o grupo que la ejecute.
Elvira Martínez y Juan Delgado en su libro “El origen de la expresión” analizan el significado de la expresión plástica en el niño desde tres aspectos:Un medio de expresión y comunicación de sus vivencias, un lenguaje del pensamiento.La expresión se vincula a su desarrollo y a su cambio. Por medio del dibujo el niño cuenta, informa sus impresiones de los objetos a veces de forma más clara que verbalmente.Un proceso en el que toma diversos elementos de la experiencia y les otorga un nuevo significado. Los transforma. Entonces cada experiencia significativa le aportará nuevos datos que serán vivenciados. Estas experiencias irán modificando sus esquemas y enriqueciéndolos. Es aquí donde el arte interviene para contribuir al desarrollo, ya que se producirá aprendizaje en la interacción del niño y el ambiente.Una actividad lúdica donde las actividades gráfico plásticas representan un juego, estimulan el desarrollo motriz y se convierten en acciones útiles para la enseñanza de otros conocimientos. En ellas intervienen sensaciones, percepciones, y el pensamiento.Analizados estos aspectos se puede comprender porqué el arte o la expresión artística se convierten en una actividad con un rol potencial en la educación de los niños.Sin embargo a partir de las significaciones y lo que representa la expresión infantil, como padres y docentes es necesario tener en cuenta las distintas evoluciones o etapas de la expresión y evolución del niño.Se coincide en llamar la Etapa del Garabato la que comprende aproximadamente de los dos a los cuatro años. Si tenemos en cuenta que la manifestación artística se nutre de la percepción consideraremos que la expresión comienza cuando el niño empieza a explorar su mundo por sus medios: tocar, morder, chupar, escuchar, mirar. Y continuará cuando realice su primer registro en un piso, pared o papel.Investigaciones realizadas por autores como Lowenfeld y Brittain profundizan sobre el desarrollo de la expresión infantil, definiendo dentro de la etapa del garabato según la edad y la motivación del niño “el garabato desordenado”, “el garabato controlado” y por último “el garabato con nombre”. Es durante esta etapa donde los gráficos que realice el niño tienen que ver con sus movimientos corporales. La expresión plástica se convierte en una actividad kinestésica que disfruta por el hecho de realizarla y moverse.A los cuatro años hasta aproximadamente los seis transcurre la etapa preesquemática, en la cual el niño comienza a crear formas, consciente. Trata de establecer relaciones con lo que intenta dibujar.Es importante tener en cuenta que la producción gráfica del niño no puede desvincularse del proceso de percepción. Nos nutrimos de los que vemos, miramos, tocamos, escuchamos, aprendemos, modificamos, sentimos, vivimos.



¿Qué significa desarrollar la expresión artística? A partir de los estímulos visuales los niños decodifican la información del entorno. Los grafismos y las pinturas, lenguaje por medio del cual el niño se comunica y expresa, es uno de los ejes de la expresión artística que se nutre y viceversa con el hecho perceptivo y receptivo.Investigaciones y experiencias demuestran que la reflexión, la formulación de hipótesis, la emisión de conceptos, la percepción y el análisis lógico de las imágenes se encuentran latentes en los niños pequeños. , esto nos permite replantearnos algunas prácticas pedagógicas. Propiciar actividades que coloquen al niño frente a situaciones enriquecedoras de percepción, imaginación, sensibilidad, juicio crítico y estético.Las propuestas educativas que se proponen desarrollar las capacidades de creación deben contener estos ejes, que promuevan la percepción y la producción al mismo tiempo, atendiendo a las etapas de desarrollo correspondientes, en un contexto de juego, teniendo en cuenta que la expresión significa todo lo que se ha expuesto anteriormente. Actividades que pueden realizarse en el Jardín de Infantes y que atienden las distintas necesidades de expresión. Acentuando la importancia de abarcar actividades que atiendan las distintas necesidades de la expresión artística en lo concerniente a la percepción y la creación se sugieren algunas actividades generales que pueden proyectarse realizando los ajustes correspondientes al niño, el nivel, su particularidad, la institución, el grupo, etc.
Sobre la importancia de la Plástica en la educación

Platón formuló que el arte debe ser la base de toda forma de educación natural y enaltecedora.
El ser humano se ha expresado a través del arte y ha documentado de esta forma la historia de la humanidad. Las manifestaciones artísticas son parte de la sociedad que le da vida, y son su reflejo. Por medio del arte podemos realizar una lectura de las características de las sociedades de distintas épocas de la historia.

Para hacer frente a la complejidad, diversidad y riqueza de la vida del aula, un especialista como Elliot propone la deliberación como método más racional de intervención. Al referirse a la deliberación su objetivo es que el docente no permanezca aislado en su práctica, sino que dialogue y confronte los problemas que surgen ella. Enfatiza la necesidad de pasar de la reflexión individual a la reflexión cooperativa, para llegar a desarrollar conocimientos prácticos compartidos que surgen del diálogo y el contraste permanente.
Desde nuestro rol de educadores, en ese “ida y vuelta” que es nuestro trabajo de construir aprendizajes, nos preguntamos sobre el significado del arte en la educación. Un interrogante que no es actual: acompañó a la historia de la educación y se abre hoy en nuevas preguntas, con las que inauguramos este espacio.
Entonces afirmamos que el arte es fundamental para la vida del ser humano y de las sociedades. Tiene lenguajes propios que lo convierten en una forma de expresión universal, porque no tiene barreras de idiomas y colores pero al mismo tiempo permite una diversidad de manifestaciones tan amplias como la creatividad de las culturas lo permita.
Si recorremos la historia del mundo encontraremos diferentes concepciones del arte. Es probable que esta sea la razón por la cual no se defina el rol de la educación artística, que debería propiciar las condiciones para construir una formación integrada y unificadora, con el objetivo de formar personalidades creativas y desarrollar la capacidad que trae innato todo ser.
Existen miradas diferentes en las escuelas sobre el área de Artística en relación con las demás áreas del conocimiento, más allá de lo que rezan los documentos curriculares. Se la considera “un área de entretenimiento”, en la que “los docentes no tienen que escribir tanto”, donde “los chicos se distraen de la presión del estudio”.
Sobre este tema Jaume Carbonell, en su libro La aventura de innovar. El cambio en la escuela, utiliza el término “núcleo ‘light’ del currículum”, para referirse a determinadas creencias sobre la mayor incidencia de las innovaciones en estos espacios, debida a la menor presión del sistema educativo sobre estas materias.
Es común escuchar de distintos actores institucionales apreciaciones sobre la Educación Plástica en la escuela en las que subyacen concepciones como las anteriores.
He aquí el problema que me impulsa a generar algunos proyectos para promover una visión sobre la importancia de la plástica en el desarrollo del ser humano. Infundir esa concepción que encuentro en la realidad en algunas situaciones de la vida escolar.
Existen espacios en el sistema educativo que a todo docente se nos presentan para crear y arrancar la innovación. Está en nosotros que los aprovechemos para generar un cambio. Y por qué no, partir de situaciones como las que expone Carbonell, en que una concepción pobre del área nos permite impulsar proyectos innovadores con flexibilidad, propiciando con esta innovación la valoración del significado de la educación artística en el ser humano.
Herbert Read en su libro Educación por el arte, siguiendo las ideas de Platón, escribió sobre la importancia de la educación artística, enunciando en su tesis que el arte debe ser la base de la educación. En otro plano, Victor Lowenfeld y W. Lambert Brittain escribieron sobre el significado de las actividades artísticas en el desarrollo de los niños.
El interrogante que me gustaría dejar abierto tiene que ver con los posibles caminos que podemos encontrar para generar un cambio positivo en algunas concepciones que actualmente se sostienen en nuestra sociedad con respecto a la implicancia de la educación artística, específicamente de la plástica.
Los invito a participar experiencias, proponer acciones para el cambio, innovaciones y propuestas.
Este debate nos llevará seguramente a discusiones más amplias sobre la educación, la cultura, la creatividad y otros temas que se relacionan, poniendo de manifiesto que en esencia somos seres íntegros y por lo tanto es una educación integrada y no de espacios o áreas segmentadas a la que deberíamos aspirar para nuestras sociedades futuras.
Así como el niño en la acción de crear activa distintos procesos (selecciona, interpreta) para luego reconstruir con nuevos significados, les propongo que seleccionemos, interpretemos, reflexionemos y reconstruyamos cooperativamente.
Bibliografía:
ELLIOTT, J., La investigación-acción en educación, 1997.
JAUME CARBONELL, La aventura de innovar. El cambio en la Escuela, Ediciones Morata, 2002.

Fuente: Educar